LIQUIDEEP visit artist website
Tendo tocado e percorrido o mundo com actos de topo, como Bongo Maffin, Mafikizolo, Mazwai Thandiswa e HHP, o passo óbvio e lógico para o guitarrista Sunnyboy Mthimunye era dar a indústria da música a sua própria magica e alegre interpretação musical.
Sua obra vibrante 2011 independente do álbum de estréia do amor, "Let It Play" (lançamento previsto para março 2011), é uma fusão de jazz, ritmos Africanos, adult contemporary com alma contemporânea e mais radiante na natureza, é uma obra de arte que emana cortes magníficos e maduro concebido para a marca de obra ...e ele se encaixa perfeitamente.
Vindos de eMbalentle em Secunda, Mpumalanga, Sunnyboy, imensamente talentoso era início tardio ter começado a tocar aos 18 anos de idade, enquanto no médio, depois de ter escutado a música de Jimmy Dludlu, em 2001. Autodidata e inspirado por um clube de elite dos guitarristas que vão de Jonathan Butler, Bheki Khoza, Ronny Jordan, Lee Ritenour, Chuck Loeb, Pat Metheny e Paul Jackson Jr., do Sunnyboy naturalmente dotado pegou rapidamente e alimentou a sua habilidade dedilhando o instrumento na igreja também.
Desde então, ele mergulhou em vários estilos musicais que vão do funk ao Motswako, hip-hop, afro-pop, urbana contemporânea, house, reggae, tradicional e músicas kwela com alguns dos melhores nesses gêneros. Esta lista inclui performances distinguido com Theo Kgosinkwe, Lira, mxo, Magagula Nana (Suazilândia), Moruakgomo Futebol (Botswana), Senganga Tuks, Lesego, Dlamini Swazi, Keke, Tebza Kwela, Bosman Gloria e Gang of Instrumentals.
Sua carreira inclui trabalhos de gravação impressionáveis com Mazwai (também nas gravações de DVD para seus álbuns "Zabalaza"e "Ibokwe") e a maior parte dos artistas acima. Outros nomes notáveis que gravaram com ele são Mthunzi Namba,Trompies, Unathi Nkayi, Stoan, Djs notrabalho (DJ Vinny daVinci & Christos), DJCleo, Thaso, Sliq Angel, Malini, Shana e Bucie.
Atualmente, se você não vê-lo no palco, tocando músicas de seu álbum de estréia, você vai pegá-lo nos palcos locais e internacionais, tocando Thandiswa com Mazwai, Liquideep e HHP, juntamente com sua banda "Tha Playerz Exclusive "
Tha Playerz Exclusive
Tha Playerz Exclusive é uma banda dinâmica urbana que traz o elemento vivo na música. A banda é composta por três indivíduos que partilham uma vasta experiência no ramo de desempenho e de entretenimento
A banda toca uma grande variedade de música e estilos, ou seja, o hip hop, R & B,pop, dance music, jazz e muitos outros géneros, incluindo o gênero que tudo começou com, GOSPEL.
Tanto como indivíduos e como uma banda, Tha Playaz Exclusive têm trabalhado com vários músicos importantes do país e com os mesmos partilharam palcos nacionais e internacionais.
Os artistas incluem, entre outros ...Liquideep, HHP, Theo Kgosinkwe, JR, Teargas, lenda do jazz Sul Africano Bheki Khoza, Themba Mkhize, Hugh Masekela e Jimmy Dludlu, e artistas internacionais Gerald Versly (EUA) e Leila James (EUA).
The Playerz Exclusive realizou grandes produções como, Cape Town International Jazz Festival, Festival Macufe, Grahamstown Arts Festival, FestivalOppokoppi, SABC Prêmios e Canal O Awards.
MOREIRA CHONGUIÇA visit artist website
Moreira é produtor, saxofonista, etnomusicólogo, compositor, empresário
Multi-premiado Moreira Chonguiça é um músico célebre, originalmente de Moçambique, mas agora com sede em Cape Town, África do Sul.
Sua especialidade é o jazz contemporâneo e “world music” – MUNDO AFRO JAZZ
Completou: Remix álbum de música do Vol. 1 - The Journey e Vol. 2 -Cidadão do Mundo
Moreira produziu três músicas para o álbum mais recente Simpiwe Dana -Kulture Noir e vídeo para a Agência Aids em Moçambique.
O seu lançamento mais recente é Vol. 2 - Cidadão do Mundo (2008)
A banda de apoio de Moreira é composta por músicos de topo da Cidade do Cabo escolhido e ensaiado de acordo com o evento.
O seu mais recente trabalho:
• produziu três canções para Simpiwe Dana
• Parte do documentário brasileiro sobre a África - Mama Africa em 10 países Africanos
• Moreira foi incluído na lista pelo Jornal Noticias de Moçambique como o melhor de 2009 juntamente com o Presidente Guebuza e os Mambas (time de futebol de Moçambique).
• Ele também foi eleito Personalidade Cultural de 2009 pela Rádio Moçambique
• O projeto Moreira Vol 2 - Cidadão do Mundo foi indicado para três prêmios Musical Sul Africano em 2009, e foi premiado com dois ou seja, para Melhor Álbum de Jazz Contemporâneo e Melhor compilação em Album.
• O projeto Moreira Vol. 1 - The Journey foi indicado para três prêmios do Musical Sul Africano em 2007 e foi premiado também como Melhor Produtor.
• O projeto Moreira Vol 1 - A Jornada foi selecionada a partir de 8000 entradas e um dos oito álbuns escolhidos para ser agraciado com o A & R inaugural prêmio da música internacional em 2008.
Destaques de Desempenho em 2010:
• Festival Internacional de Artes de Harare abril 2010
• Festa Junina Grahamstown Jazz 2010
• Concerto Reloaded @ CFM - Maputo julho 2010
• Balançar as margaridas, Cidade do Cabo - outubro 2010
• Jazz e Blues Festival de Guaramiranga e Fortaleza, Brasil - março 2011
• Festival da Cidade do Cabo - março 2011
Destaques da carreira em 2009/2010:
• Nomeado para Embaixador da Marca o Prêmio Laurentina
• Nomeado para Embaixador da Marca Vodacom Moçambique
• Nomeado para Embaixador da marca para a LAM (moçambicana companhias aéreas)
• Escreveu a música e o vídeo filmado das Nações Unidas para Aids para o dia Mundial da Sida
• Frequentou a conferência inaugural Africana de Líderes da Rede em Adis Abeba em Novembro 2010
• Unico Africano convidado para o Festival de Jazz e Blues no Brasil - março 2011
Kanda visit artist website
Emanuel Costa José Kanda, músico, compositor e interprete, de nome artístico “Kanda”,nasceu em Luanda. Possuidor de uma voz extraordinária, ele teve uma infância marcada pela vivência musical fruto da frequência religiosa de onde começou e desenvolveu o dom pela musica passando também por vários concursos já realizados tais como; festival da canção (LAC), Estrelas ao Palco e tantos outros, não esquecendo também a participação em alguns projectos “Vozes para Manguxi” e Marcas de Angola ( Angolan sound experience) interpretando alguns dos varios temas dos discos. Tendo como base a música de raiz Angolana passando pelas influências de vários outros estilos como o Afro folk, Afro pop, Jazz, soul music etc. Influências estas que acabam por caracteriza-lo.
O seu primeiro album “Sinais” foi lançado no principio do corrente ano com músicas produzidas em Angola, Brasil e França e está em fase de promoção já com o single a tocar nas radios com temas como ”Amar sem ser” e “N´zaji” que tambem fazem parte do projecto Marcas de Angola e “Desejo”.
MAYRA ANDRADE visit artist website
Mayra Andrade apareceu pela primeira vez no palco em Cabo Verde a dez anos atrás, depois de várias passagens por Senegal, Angola e Alemanha. Na altura A adolescente de origem cubana, cantou em um evento beneficente organizado pelo Centro Cultural Francês da Praia, acompanhado apenas por um violão e flauta. Ela tinha apenas quinze anos, mas a sua segurança (adquirida na família numerosa e menores desempenhos escolares) já era impressionante. Ela já era conhecida como uma estrela da música de Cabo Verde, quando ela chegou em Paris em 2003 e começou a tocar em um espaço de música um após o outro com um grupo de duas guitarras, baixo e percussão. A notícia da jovem cantora espalhou-se e também da a sua voz suave e refrescante e levemente rouca, cuja presença no palco, deixou sua marca para qualquer pessoa sortuda que a viu em palco .
Seu primeiro álbum, "Navega", foi como uma revelação em 2006. O público ficou emocionado ao descobrir sua voz marcante e sua nova visão sobre a diversidade musical de Cabo Verde. A música Mayra Andrade foi uma releitura moderna, enraizada no solo rico de tradições do arquipélago, mas também aberto a influências descoberto em suas viagens. Depois do sucesso de público e o sucesso das crítica de "Navega ", seu segundo disco, "Stória, stória ...", lançado em 2009, explorou ainda mais a interacção entre as heranças rítmica de Cabo Verde e seus “conterráneos” transatlânticos, Brasil e Cuba.
Como sua música, ritmada e sinuosa, a abordagem de Mayra Andrade a sua carreira não tem nada de linear. Foi a sua necessidade de assumir novos desafios que levaram a cantora a fazer "Studio 105", que anuncia uma nova etapa no seu trabalho, que cada vez mais desafia qualquer categorização.
"Studio 105" foi o primeiro álbum de Mayra Andrade ao vivo e a cantora Cabo-Verdiana decidiu fazer uma produção completamente nova para a ocasião. Gravado em Setembro de 2010 no Studio 105 da Maison de la Radio, em Paris, com um trio acústico formado apenas alguns dias antes da realização, esta nova produção já está disponível em CD / DVD e inclui versões radicalmente revistas de faixas de seus dois primeiros álbuns ("Navega", de 2006; "Stória, stória ...", 2009), juntamente com "Kenha ben ki ki ta bai" e outros dois covers (um em francês, o outro em Inglês).
A gravação é sem dúvida um passo importante na carreira de uma cantora que se vê primordialmente como uma artista de shows ao vivo.
Gravado em sequências de vídeo para o DVD, o processo criativo que levou ao concerto "Studio 105" durou apenas alguns dias. Tudo começou com uma reunião muito construtiva entre Mayra Andrade e um trio de músicos virtuosos. Na bateria e percussão (fazendo algo de sua própria invenção) foi prodígio ritmo brasileiro de Zé Luis Nascimento - um parceiro assiduo da cantora desde a sua chegada em França. Sua técnica especial melódica confirmou seu status como um dos melhores percussionistas em Paris. A outra metade da secção de ritmo swing sincopado, é do cubano duplo-baixista Rafael Paseiro, que estava a trabalhar com Mayra Andrade, pela primeira vez, como violão e também a tocar cavaquinho. Munir Hossn, outro brasileiro que recentemente se mudou para Paris e desempenhou um papel crucial no projeto já que também participou dos arranjos. Mayra Andrade diz sobre Munir, "Ele combina duas qualidades que me parecem essenciais: um notável senso de iniciativa e, além de sua sólida cultura brasileira, um interesse de longa data no jazz e na música Africana". A sobriedade elegante do trio fornece uma vitrine perfeita para a voz de Mayra Andrade. Ela tira proveito do pequeno e coeso grupo, para assim ocupar novos espaços.
Vendo a sua jornada até o momento, sua voz é sem dúvidas um pouco mais profunda e a sua forma de cantar é certamente mais confiante como ela demonstra suas brilhantes qualidades de improvisação no álbum.
A escolha final do repertório "Studio 105" foi baseada no apego emocional de Mayra Andrade a cada uma das canções e do necessário equilíbrio de andamentos.
YAMI visit artist website
“África? É a minha mãe”
Yami é um músico Angolano, nascido em Luanda que vive há 33 anos na Europa.
Tendo iniciado a sua formação na guitarra clássica, apaixonou-se pelo baixo eléctrico quando frequentava a escola de Jazz no famoso “Hot Club” de Lisboa.
Yami é um dos mais recentes e melhores exemplos do caldeirão de culturas mestiças (híbridas, cruzadas) em que Lisboa se tornou nos últimos anos.
Yami é uma palavra na língua Kimbundu, que significa “aquilo que vem dentro de mim”. É o despertar das origens que melodiosamente se fundem com toda a sua experiência de vida na Europa e no Mundo.
Misturando na sua música o Semba Angolano com o Zouk das Antilhas e com influências do Chorinho e do Samba Brasileiros, da música Cabo-Verdiana, do Jazz e da Pop, Yami canta em Português e Kimbundo, celebrando com a sua música e de uma forma cosmopolita e moderna o espaço da Lusofonia no mundo.
Cantor, compositor, guitarrista e baixista, Yami acompanhou e acompanha grandes nomes da música como Carlos do Carmo, Dulce Pontes, Ivan Lins, Hélder Moutinho, Anna Maria Jopek, Sara Tavares, Demis Roussos, Titina, Paulino Vieira e Paulo de Carvalho entre outros, tendo editado o seu primeiro álbum “Aloelela” recentemente.
Yami (Fernando Araújo)
ROY HARGROVE visit artist website
“Está gravação foi feita para proporcionar prazer sonoro ao ouvinte”, escreve o trompetista/líder de bandas Roy Hargrove nas anotações da capa da sua mais recente e sublime obra discográfica, o “Earfood”, pela Groovin’High/Emarcy Records. “Melodias simples movendo-se à volta de acordes adocicados permitiram [ao quinteto com o qual trabalho] atraír atenção e transmitir um sentimento de transcendência”. Apelidando o álbum de “Sound Nutrition (Nutrição Sonora)”, Hargrove remete ao público uma coletânea de 13 temas no género nutritivo de jazz post-bop que incluí sete faixas originais e seis versões que variam desde o movimentado e popular tema que abre o CD, o “Im Not So Sure” de Cedar Walton, à última faixa, no estilo “New Orleano”, “Bring It On Home To Me” de Sam Cooke.
“Esta é a minha forma predilecta de tocar”, diz Hagrove que, aos 38 anos de idade, é um dos poucos artistas de jazz de sua geração que merecedoramente alcançaram o estatuto de estrela, tanto em termos de crítica com em termos de vendas. “Gosto de tocar música que é tida como jazz clássico, particularmente agora que é tão difícil encontrar artistas que lidam com a tradição do jazz. Tanta gente toca o jazz “novo e improvisado”, o que aliena grande parte da audiência. Não tenho receio de tocar Blues e Soul e até tento ser inovador. Mas prefiro os sons padrão. Se me afastar muito deles, qual seria a graça?”
Na capa, Hargrove estabelece a sua visão em Earfood: “O meu objectivo com este projecto foi fazer uma obra mergulhada simultâneamente na tradição e na sofisticação, embora mantendo um sentido melódico simplístico”.
O quinteto dos guerreiros -de-estrada de Hargrove, composto por Justin Robinson no sax alto e flauta, Gerald Clayton no piano, Danton Boller no baixo e Montez Coleman na bateria, foi vital no sucesso de Earfood. “Estivemos juntos em digressões tão frequentemente que temos uma coesão especial”, diz Hargrove. “Conhecemo-nos melhor à medida que actuamos juntos mais vezes. Todos têm uma boa postura e viajamos juntos de maneira satisfatória, o que faz uma grande diferença”. Hargrove faz uma pausa e depois graceja, “Ninguém carrega mais do que o necessário, excepto eu”.
Nas capas de Earfood, Hargrove observa que a proximidade da banda foi um dos “elementos chave no desenvolvimento de uma sonoridade difícil de obter, [com] pouco tempo gasto no estúdio”. E durante as sessões, Hargrove foi auxiliado pelo engenheiro legendário Al Schmitt, o que, segundo o próprio, permitiu com que ele e a sua banda se focassem inteiramente na música, esquecendo a componente técnica. “Fui apresentado ao Al pelo meu agente há quase 10 anos atrás”, diz Hargrove. “Eu não o conhecia, mas depois notei que ele participava em todos os meus CDs favoritos. Ele é o melhor que há. Ele deixou o caminho livre, mas gravou tudo o que aconteceu no estúdio. Al deixa o músico falar por si próprio”.
Os originais de Hargrove são uma bolsa de misturas esplêndidas de baladas preciosas e swingers suaves. Tocado num trompete mudo, “Brown” é uma melodia cativante repleta de movimento harmónico sofisticado. Originalmente escrita para a digressão Directions in Music que efectuou com Herbie Hancock e Michael Brecker, “Brown” (assim entitulada por ter sido escrita num piano castanho) recebeu um novo arranjo e harmonia de Hancock. Este tema é seguido pelo vivaz “Strasbourg/St.Denis”, que conta com uma dança entre o sax espiral e o trompete. “Todos gostam deste som”, diz Hargrove. “É também um dos meus favoritos. Esta canção veio até mim por meio de um sonho que tive num hotel de uma estrela e meia em Paris. Acordei no meio da noite e a escrevi”. Hargrove também oferece o rítmico “The Stinger” (“dedicado a todas as pessoas neste mundo que permitem com que coisas saiam de suas bocas sem antes terem pensado nelas”, diz) e o walking “Style”, conduzido pelo baixo (escrito no piano de uma velha casa de ópera em Orvieto, Itália e assim entitulada como um tributo à forma em que os Italianos “vestem e comem, onde tudo é um evento”).
Os restantes temas originais são melancólicos, reflectivos e em forma de balada. Hargrove diz que “cada vez mais a minha composição se está a virar em direcção à canções lentas. É a minha forma predilecta de tocar. Dá-me uma balada agradável que também seja linda e estarei satisfeito”. O título da belíssima “Joy Is Sorrow Unmasked” foi retirado do livro do poeta/filósofo Kahlil Gibran entitulado “The Prophet”, que inspirou a melodia. “Rouge” é uma experiência na qual Hargrove tenta compôr uma música sem um compasso e que expressasse cores, especialmente a sua favorita, o vermelho. E finalmente “Divine”, a sua mais recente composição que foi escrita num piano e tem uma linha descedente resultante da sua “inteção de compôr algo belo”.
Cada uma das versões que Hargrove traz ao Earfood é vinculada à uma história pessoal. Aprendeu o número “Walton” em 2000 quando tocou com o mestre de piano numa apresentação com duração de uma semana na Village Vanguard. “O Cedar apenas tinha um esqueleto de onde poderia se tocar esta melodia” diz Hargrove. “Levou-me algumas noites para aprende-lo e faze-lo colar. Eventualmente aprendi-lo, mas inicialmente foi aqui o temos, mergulha nele e ou afoga ou nada. O público adora esta música”. A música de Kurt Weill-Ogden Nash “Speak Low” traz Hargrove (no fliscorne) de volta à uma de suas artistas favoritas, a vocalista Sarah Vaughan: “Adorava a sua voz, escolha de sintonia e a apresentação”, diz. “Ela foi uma influência na minha maneira de tocar”.
A música de compasso lento “Starmaker”, escrita por Lou Marini foi apresentada à Hargrove pelo seu agente há alguns anos atrás (“Faz-me lembrar do tema de M*A*S*H”, diz ele), e a beleza de compasso médio “To Wisdom the Prize” é uma música originária da caneta do ex-membro da sua banda, Larry Willis (“O Larry foi um dos meus professores”, diz Hargrove. “Ele presenteou-nos com a sua presença durante seis anos”). A “Mr. Clean”, totalmente inclinada ao funk, escrita por Weldon Irvine Jr., vem de um dos álbuns preferidos de Hargrove, a obra prima de 1970 de Freddie Hubbard, Straight Life. “O Freddie foi o meu herói do trompete”, diz Hargrove. “Quando o ouvi pela primeira vez tentei emula-lo. Ele tinha um estilo muito clássico que ia de volta à Clifford Brown e que também continha um lado contemporâneo. Sempre tentei tocar como ele... E ainda tento ”. Neste tema Hargrove atinge a estratosfera sonora com o seu solo de trompete e as brincadeiras de Clayton nas teclas. O tema derradeiro do Earfood é o único tema ao vivo no CD: o “Bring It On Home to Me” de Sam Cooke, gravado em Gleisdorf, Áustria. Clayton toca um piano similar ao de uma igreja e Hargrove lidera a hilaridade dos metais. “Sou definitivamente apreciador de Sam Cooke” diz ele. “Li a sua biografia há alguns anos atrás e de seguida ouvi tudo o que gravou. Adoro a sua música”.
Descoberto por Wynton Marsalis, que o ouviu a actuar na sua escola secundária, a Booker T. Washington School for the Performing and Visual Arts em Dalas, Hargrove gravou o seu primeiro álbum a solo em 1990, o Diamond in the Rough, pela Novus/RCA. Gravou mais quatro com a produtora antes de mudar para a Verve, onde gravou vários álbuns de primeira instância (incluindo With the Tenors of Our Time, com vários saxofonistas tenores, e o vencedor de um prémio Grammy, o Habana, com a sua banda Afro-Cubana Crisol). Adicionalmente aos seus álbuns clássicos de jazz muito aclamados pelos críticos, Hargrove também se aventurou com uma banda de jazz contemporâneo, os RH Factor, que aplica elementos de hip hop, funk, soul e música gospel à esta densa mistura de jazz.
“Ser artista é uma dádiva”, diz Hargrove, que é discutivelmente dos artistas mais esforçados e activos no mundo do jazz – esteja ele em digressão com o seu quinteto ou com a banda RH Factor, a frontear regularmente a sua grande banda na Galeria de Jazz em Nova York, ou fazendo participações como convidado em concertos que vão desde a cimeira hip-hop-meets-jazz em Paris em Maio de 2008, com o legendário baixista de Jazz Ron Carter e o rapper Francês MC Solaar, até a celebração dos 90 anos de idade de Hank Jones no JVC Jazz Festival em Nova York a Junho de 2008.
Quanto ao Earfood, a sua viagem de estreia na Groovin'High/Emarcy, Hargrove diz com orgulho, “Queria fazer música que durasse por algum tempo, fazer um álbum que as pessoas podessem apreciar por muito mais que um mês”. Ele adiciona em suas capas “Espero que o prazer em ouvir o resultado seja comensurável ao praz
ROBERTA GAMBARINI visit artist website
ROBERTA GAMBARINI nasceu em Torino, Itália, em uma família onde o jazz era muito amado e apreciado. A artista começou a ouvir este estilo musical desde criança, tendo começado as aulas de clarinete aos 12 anos de idade. Quando atingiu os 17, começou a cantar e a actuar em clubes de jazz situados nas regiões do Norte de Itália e aos 18 decidiu mudar-se para Milão a fim de começar a sua carreira como cantora de jazz.
Logo após à mudança para Milão, ainda na sua adolescência, Roberta alcançou o terceiro lugar em um concurso televisivo da rádio nacional de jazz, o que gerou oportunidades de actuações em festivais de jazz por toda Itália. A artista actou em programas nos canais de televisões e rádios italianas e vem gravando, desde 1986, suas próprias músicas como também participando em obras de terceiros como artista convidada. Em 1997, trabalhou com o tocador de “órgão Hammond” francês chamado Emmanuel Bex, tendo feito digressões à vários clubes de jazz por toda a Itália.
Em 1998 a artista mudou-se para os Estados Unidos da América por conta de uma bolsa de estudos do Conservatório de New England em Boston. Duas semanas mais tarde, Roberta impressionou muitos apreciadores do jazz com a obtenção do terceiro lugar no Thelonious Monk International Jazz Vocal Competition.
Desde então, a artista teve actuações com Michael Brecker, Ron Carter, Herbie Hancock, Slide Hampton, Roy Hargrove, Jimmy Heath, Hank Jones, Christian McBride e Toots Thielemans entre outros, tendo passado por palcos como o Kennedy Center, o Lincoln Center, o Town Hall e o Walt Disney Concert Hall, como também participado em festivais de jazz pelo mundo a exemplo do de Barbados, de Londres, de Monterey, do Mar do Norte, de Toronto e o de Umbria.
Uma artista dinâmica com cordas vocais virtuosas, Roberta obtém críticas delirantes e um suporte entusiástico dos fans onde quer que actue. E estes feitos foram alcançados sem campanhas publicitárias e – para o espanto de muitos – sem lançamentos de obras discográficas na sua terra natal. Em 6 de Junho de 2006, a artista efectou o lançamento da sua obra discográfica de estréia no mercado Norte-Americano, entitulada Easy To Love pela GROOVIN’ High.
Roberta exibe a sua proposta instrumental e seu timbre caloroso, sincronização impecável e entonação, uma técnica surpreendente e habilidades de scatting e improvisação numa colecção de 12 interpretações excelentes de temas-padrão do estilo jazz e clássico do The Great American Songbook. O álbum também incluí 2 faixas bônus e conta com a participação do convidado especial James Moody num duelo cintilante de scat.
Roberta realizou várias digressões mundiais entre 2006 e 2007 com a sua banda, a fim de promover o seu álbum.
“Coisas incríveis... Todas elas”. – Don Heckman, LA Times
“Gambarini é uma artista de verdade”. – Steve Eddy, OC Register
“Álbum número 1 de Jazz Vocal de 2005” – Swing Journal (Japan)
DeeDee Bridgewater visit artist website
Ao longo de uma carreira multifacetada que se estende por quatro décadas, Dee Dee Bridgewater subiu para o nível superior de vocalistas de jazz, colocando seu estilo único sobre o jazz clássico. Para a sua mais recente gravação, Eleanora Fagan (1915-1959): a Billie com amor de Dee Dee, Bridgewater honra uma figura icónica do jazz, Billie Holiday, que morreu tragicamente com 44 anos a meio século atrás.
"Este álbum é a minha maneira de honrar um vocalista que fez possível que cantores como eu pudessem ter uma carreira para nós mesmos", diz Bridgewater, que desempenhou o papel de Billie Holiday na produção teatral triunfante, Lady Day – baseada na autobiografia do cantor, Lady Sings the Blues - encenado em Paris e Londres em 1986 e 1987. "Eu queria que Eleanora Fagan fosse algo diferente: mais moderno e uma celebração, não uma [gravação] que ficasse escura e sombria. Eu queria que o álbum fosse alegre. "
Bridgewater acrescenta que Eleanora Fagan é muito mais profundo do que um álbum de tributo de músicas de férias reformadas. "Billie merece ter sua música ouvida em outra luz", diz ela, "e eu definitivamente não tentei imitá-la."
Uma peça chave para a nova abordagem é o pianista Edsel Gomez, companheiro de longa data da banda de Bridgewater que escreveu novos arranjos para as 12 músicas do álbum, incluindo a interpretação polirrítmica Africana de "Lady Sings the Blues", uma versão reharmonizada de "All of Me" e o gospel "God Bless the Child." "Edsel é um compositor extremamente talentoso, com idéias muito modernas. Edsel tem a capacidade de ser moderno e trabalhar de uma forma de bom gosto" diz Bridgewater.
Gomez assumiu o desafio de trazer nova vida à música com entusiasmo. "Eu escutei tudo que Billie Holiday alguma vez gravou" diz ele. "Eu deixei a música dela falar comigo." Ele também teve em mente a personalidade da banda all-star que Bridgewater reuniu para a gravação: dinâmico tocador de flauta James Carter, o baixista Christian McBride e o baterista Lewis Nash.
"Esta foi a minha banda dos sonhos", diz Bridgewater. "Eu comecei a trabalhar com os músicos que estava morrendo de vontade de tocar. Eu pensei, eu não posso perder essa oportunidade. Com essa banda eu posso criar uma celebração emocionante, tocando a música de Billie."
Bridgewater canta para as nuances de canções como "Good Morning Heartache", "Lover Man" e "Fine and Mellow", com um fascínio que é igualmente sexy e sublime. "Esta foi a primeira vez que eu não estive preocupado em ter um som particular na voz", diz Bridgewater. "Eu estava apenas cantando do meu coração. Era tudo tão oscilante e cheio de soul."
Outros destaques incluem o assombrante "Você mudou" com o soul de Carter para complementar os vocais de Bridgewater, o "Mother’s son-in-law" com McBride fazendo dupla com a cantora, e o ritmico "Miss Brown to You", com as proezas do baterista Nash.
Ao longo de sua carreira, Bridgewater homenageou figuras monumentais do mundo da música, gravando discos dedicados a Ella Fitzgerald (o vencedor do Grammy Dear Ella, 1997), Horace Silver (Love and Peace: A Tribute to Horace Silver, 1995) e Kurt Weill (This is New, 2002).
Mais com Eleanora Fagan, o follow-up ao brilhante Red Earth de 2007: A Malian Journey, que mesclava a música do Mali com jazz - Bridgewater proporciona uma das mais notáveis performances de sua carreira. "Dee Dee tem um espirito dínamico e canta suas baladas com alma," diz escritor Dan Ouellette. "Ela canta com uma voz afiada, ela faz você chorar. Ela até se faz lagrimar descendo para o drama macabro de 'Strange Fruit', que serve como finale pungente do álbum. Ela dá uma leitura em movimento com um arranjo esparso a apoiá-la."
Em vez de jogar pelo seguro e recriando sua performance em Lady Day, em Eleanora Fagan, Bridgewater volta a se encontrar com Holiday, brilhando um novo raio de amor sobre o ícone do jazz muitas vezes incompreendido. "Eu queria que o álbum fosse uma coleção que não seria como a música do show," diz ela. Esta filosofia está em consonância com a abordagem da Bridgewater para todos os seus projetos: "Quero seguir em frente, assim como eu fiz com cada um dos meus álbuns. Para não regredir mas sim progredir. Constantemente."
JONATHAN BUTLER visit artist website
Jonathan Butler (nascido 10 de Outubro 1961, em Athlone, Cape Town, África do Sul) é um guitarrista, cantor e compositor. A sua música é classificada como R&B, jazz fusion ou música de veneração.
Butler cresceu em Cape Town durante a epoca do apartheid. Começou a cantar e a tocar guitarra acústica como criança. A pobreza e o racismo durante o apartheid tem sido o tema de vários discos. O seu primeiro single foi a primeira música de um artista negro a ser tocada na rádio durante o apartheid e ganhou um Sarie Award, o equivalente do Grammy na África do Sul.
Butler começou a fazer tours com sete anos de idade quando juntou-se com um teatro ambulante. Foi também inscrito para cantar gravações populares e tornou-se num ídolo local. Quando juntou-se aos Pacific Express, a banda de jazz/rock mais conhecida de Cape Town em 1978, Butler encontrou a inspiração e apoio para começar a se expressar como compositor e lírico. Dois álbums foram gravados com os Pacific Express e algumas das músicas foram depois lançadas no álbum 7th Avenue em 1988. Os três álbums foram emitidos por Mountain Records.
Em 1977 a Jive Records assinou o Jonathan Butler e no inicio dos anos oitenta deslocou-se para o Reino Unido aonde ficou 17 anos. Butler começou a ser reconhecido internacionalmente em 1987 com o single ‘Lies’ (mentiras) que foi nomeado nos Grammy’s e também a sua versão da música “If you’re ready (come go with me)” com a Ruby Turner.
Butler desfrutou de fãs dedicados nos anos oitenta e noventa na África do sul, Estados Unidos e Europa.
Em 2006 Butler foi um dos vocalistas que participou no álbum Gospel Goes Classical produzido na Universidade de Alabama pelo professor de música Henry Panion. O álbum teve colaborações de Tommy Stewart, Michael Loveless, Ray Reach e Henry Panion. O álbum chegou ao número 2 na tabela gospel da Billboard e número três na tabela de música clássica alternativa. Butler também foi nomeado para um Grammy com o seu single ‘Going Home.’
RUI VELOSO visit artist website
Nascido em Lisboa, mas criado desde os três meses de idade no Porto, é filho do engenheiro Aureliano Capelo Veloso, ex-presidente da Câmara Municipal do Porto. É igualmente sobrinho paterno do General Pires Veloso, ex-governador de São Tomé e Príncipe.
Cantor, compositor e guitarrista, começou a tocar harmónica aos seis anos. Mais tarde deixar-se-ia influenciar por B.B. King e Eric Clapton, e lançou, com vinte e três anos, o álbum que o projectou no panorama da música nacional, Ar de Rock. Dele fazia parte a faixa Chico Fininho, um dos maiores sucessos da obra de Rui Veloso e de Carlos Tê, seu letrista.
Entre os seus restantes sucessos fazem parte Porto Sentido, Não Há Estrelas No Céu, Sei de Uma Camponesa, A Paixão (Segundo Nicolau da Viola) e Porto Covo.
Na década de 1990 integrou o Rio Grande, formado por Tim, João Gil, Jorge Palma e Vitorino, num estilo de música popular com influências alentejanas que alcançou uma considerável popularidade. Dessa experiência resultariam dois discos, um de originais em 1996, outro ao vivo, em 1998.
Em 2000 lançou a compilação O Melhor de Rui Veloso - 20 anos depois, seguindo-se um disco de tributo dedicado ao seu álbum de estreia: 20 anos depois - Ar de Rock.
Em 2003, a mesma formação dos Rio Grande, mas sem Vitorino, voltou a juntar-se no projecto Cabeças no Ar, dedicado a canções nostálgicas que remontam aos tempos da escola, entre elas O Primeiro Beijo.
Regressou aos discos de originais, em 2005, com A Espuma das Canções. Em 2 de Junho de 2006 actuou no Rock in Rio em Lisboa, precedendo os concertos de Carlos Santana e de Roger Waters. No mesmo ano comemorou vinte e cinco anos de carreira, ocasião brindada com três concertos, dois no Coliseu do Porto e um no Pavilhão Atlântico. Em 2008 colaborou com a banda Per7ume no tema Intervalo, que foi um record de vendas nacional. Em 2009 lançou o álbum Rui Veloso ao Vivo no Pavilhão Atlântico.
Como empresário abriu o seu próprio estúdio, o Estúdio de Vale de Lobos, situado em Vale de Lobos, perto de Belas, e fundou também a editora Maria Records, que acabou por fechar.
Rui Veloso recebeu a Grã-Cruz da Ordem do Infante, atribuído pelo Presidente Mário Soares.
BANDA MARAVILHA visit artist website
A Banda Maravilha surgiu em 1993, fruto de um convite endereçado a cinco músicos angolanos para se tomarem a banda de animação de um programa da TPA “Gentes & Tons” apresentado por André Mingas, após várias exibições em bares, discotecas e festas de Luanda. Foi neste programa que Del?na Feliciano, produtora do programa, baptizou a banda.
Da primeira versão da banda constavam Carlitos Vieira Dias, Moreira Filho, Rufino, Joãozinho Morgado e Marito Furtado que eram originários de várias bandas musicais de Angola. Para além do programa “Gentes & Tons”, a banda abrilhantava as noites de Luanda no restaurante “O Tambarino”.
Em 1997 a banda lança o seu primeiro CD intitulado “Angola Maravilha” pela RMS num dos maiores sucessos em vendas de discos de bandas angolanas. Uma torné mundial foi realizada em 1998. A banda também participou da Expo98 em Lisboa “Portugal”, bem como do Festival da Baia das Gatas em Cabo -Verde. Em 2001 e já com outra formação, a banda lança o seu segundo CD “Semba Luanda”. Neste disco a banda contou com novo integrantes, nomeadamente Xico Santos, Miqueias Ramiro e Venâncio. O CD retratou o semba e as novas cadências rítmicas evidenciadas pela banda foram então con?rmar a Banda Maravilha como os “Embaixadores do Semba” de Angola.
O pro?ssionalismo da Banda Maravilha foi reconhecido pela sociedade que a atribuiu em 2002 o prémio de melhor Banda Musical do ano no Top Rádio Luanda. Recebeu também o prémio de vencedor do Top dos Mais Queridos da RNA, sendo convidada para actuar em várias partes do mundo levando consigo a música angolana.
Com a exigência do público, a banda lança em 2005 o seu terceiro CD “Zungueira”, uma homenagem directa as mulheres que todos os dias lutam pela vida e para vida dos seus ?lhos, no seu ganha pão diário pelas ruas de Luanda faça chuva ou faça sol. Neste CD a banda fortaleceu com a entrada de Pirica e Nelas do Som que com os solos das suas guitarras, criaram novas melodias na harmonia da banda.
Hoje a banda maravilha vai cimentando a cada dia o seu nome e profissionalismo dentro da música angolana, estando a preparar a gravação do seu primeiro CD e DVD ao vivo para entrar nos anais da musica angolana como os embaixadores do Semba em Angola.
GONZALO RUBALCABA visit artist website
27 de Maio de 1963... Gonzalo Julio Gonzalez Fonseca nasce, em uma Havana pós-revolucionária, numa família musical, rica nas tradições do passado artístico do país. Durante a sua infância, para além da quantidade padrão das escolas elementares, Gonzalo absorveu a herança cultural cubana do seu meio de nascesça através de contactos pessoais dentro de sua família, com mais notabilidade para o seu pai, o pianista Guillermo Rubalcaba, e seus dois irmãos (pianista e baixista), como também de músicos de renome que eram frequentemente convidados à sua casa como Frank Emilio, Peruchin, Felipe Dulzaides dentre outros. Ele também assimilara, através de gravações antigas e valiosas, as melodias e estilo dos mestres do Jazz americano dos anos 40 aos 70 como Thelonius Monk,Bud Powell, Oscar Peterson entre os pianistas; e os instrumentalistas Charlie Parker, Dizzy Gillespie and Art Blakey.
Gonzalo adorava a bateria e no princípio da sua carreira, para além de ter estudado este instrumento, estudou também o piano. Não obstante às adversidades de seu meio, a sua primeira formação musical foi em música clássica. O artista deu início a sua formação no Conservatório Manuel Saumell aos 9 anos de idade, onde decidiu optar pelo piano como o seu instrumento principal. De seguida cumpriu o ensino secundário no Conservatório Amadeo Roldan e por fim obteve o seu diploma em composição musical do Instituto de Belas-Artes de Havana em 1983. Naquela altura já o artista tocava em clubes e salões musicais em Havana. Adicionalmente, participara de uma digressão à África e para a França com a Orquesta Aragon em 1980 e introduziu o seu próprio “Grupo Projecto” nos festivais do Mar do Norte e de Berlim em 1985.
O Egrem Studios de Havana foi o primeiro estúdio a gravar a sua música, no princípio e meados dos anos 80. Os discos Inicio (um álbum de solos de piano) e Concierto Negro ainda se encotram disponíveis. No princípio de 1986, Gonzalo passou a gravar para a Messidor de Frankfurt na Alemanha, tendo lançado com o seu quarteto Cubano três albuns muito bem sucedidos pela mesma produtora, nomeadamente Mi Gran Pasion, Live in Havana and Giraldilla. Com o sucesso destes trabalhos, Gonzalo começou a atraír a atenção internacional e em 1986 um encontro por acaso em Havana com o baixista Charlie Haden trouxe-o á atenção de Bruce Lundvall, o presidente da Blue Note Records. Desta forma nasceu uma associação, primeiro com a Toshiba/EMI do Japão e mais tarde com a Blue Note dos EUA, que resultou em 14 discos lançados. Em Julho de 1990 o artista apareceu como um artista-surpresa numa actuação histórica, disponível no CD Discovery com Charlie Haden e Paul Motian (ex-membros do trio de Bill Evans) no Montreux Jazz Festival, na Suiça.
Trabalhos procedentes eventualmente garantiram para Gonzalo um Grammy Latino para o Melhor Álbum de Jazz do Ano com o seu CD entitulado Supernova, como também um Grammy por uma co-produção com Charlie Haden em Nocturne, um lançamento de boleros e baladas Cubanas e Mexicanas pela Verve. Gonzalo tem em seu nome 15 nomeações para Grammys, incluíndo cinco para Álbum de Jazz do Ano para os álbuns Rapsodia em 1995, Antiguoand Inner Voyage em 1999, Supernova em 2002 e Avatar em 2008. Dentre honras recentes, em Junho de 2001 o artista recebeu o SFJAZZ Leaders Circle Laureate Award e em 2002 actuou como artista residente no Montreal Jazz Festival com Chucho Valdez. Gonzalo actuou com personalidades como Dizzy Gillespie, Ignacio Berroa, Chick Corea, Al DiMeola, Herbie Hancock,Charlie Haden, Katia Labeque, Richard Galliano, Francisco Cepsedes, Tony Martinez, Issac Delgado, Juan Luis Guerra, Dave Holland, Chris Potter, Eric Harland, Dennis Chambers, Brian Bromberg, Ron Carter, Yosvany Terry,Matt Brewer, Mike Rodriguez, Marcus Gilmore, Pat Martino, Giovanni Hidalgo,John Patitucci, Jack DeJohnette, João Bosco, Eric Harland , Ivan Linz entre muitos outros.
Gonzalo continua a fazer digressões pelo mundo como um artista solo em cenários de música clássica e jazz, e também como líder de bandas, agregando-se aos nomes mais sonantes do mundo no que concerne à clubes e concertos. O seu repertório activo continua a expandir-se para além do Jazz straight-ahead, bop, Afro-Cubano e outros formatos do estilo, até ao mundo das mais tradicionais baladas, boleros e música clássica Cubana. Gonzalo desenvolveu uma voz própria muito distinta, desafiando a classificação musical da época.
A sua arte continua a evoluir, retirando inspiração tanto da sua herança Afro-Cubana como também do mundo contemporâneo. O nosso maestro continuará a moldar os temas, formas e rítmos que o providenciaram da inspiração necessária para o seu património até a data. Em qualquer idioma em que trabalhe, as suas criações musicais futuras serão sempre melódicas, rítmicas, emocionantes e carregarão nas suas intricacidades intrigantes a intenção, inerente ao artista, de transformar a rotina do nosso quotidiano em algo mais belo e significante.
Actualmente Gonzalo produz e grava pela sua própria produtora e editora, a 5 Passion LLC, fundada em 2010.
SIBONGILE KHUMALO visit artist website
A primeira professora formal de música de Sibongile foi Emily Motsieloa, sendo ela própria uma artista e personalidade de influência nos meios dos bairros periféricos de Johannesburg. Posteriormente, a artista adquiriu o seu Bacharel em Artes e Música pela Universidade de Zululand e uma Licenciatura em História da Música da Universidade de Witwatersrand.
Na jovem idade de 24 anos, recebeu uma proposta para dirigir o departamento de música da FUBA (Federated Union of Black Arts) e de seguida, equipada com um Diploma Superior em Gestão de Pessoal (adquirido em 1986) Sibongile tornou-se Coordenadora do Centro Artístico Funda, cargo que ocupou durante 3 anos.
Tendo terminado o seu diploma, e com as suas capacidades administativas afinadas, Sibongile abriu as suas asas, participando em vários projectos de investigação e trabalhando com institutos artísticos diversos, entre os quais constam o Madimba Institute of African Music e o conselho da Ópera África.
Em 1992, Sibongile deu início à actuações mais sérias – e o inventário de suas músicas é extenso e impressionante. Entre estas actuações, encontramos a notável The Three Faces of Sibongile Khumalo, um concerto com lotação esgotada realizado no Kippies, em Johannesburg, que expôs a sua proeficiência nos estilos jazz, música indígena Sul Africana e ópera. Esta actuação também lhe valeu o Standard Bank Young Artist Award for Music em 1993, estabelecendo-se com firmeza como uma mulher merecedora de atenção no cenário musical Sul Africano.
Sem negligenciar os seu interesse na ópera, a artista colaborou com os sopranos Aviva Pelham e Virginia Davids em 1999 para uma série de concertos entitulada Divine Divas, pelo qual recebeu o FNB VITA Award para a melhor actuação musical do ano.
Khumalo cantou em grandes palcos não só na África do Sul como também por todo o mundo. Apresentações como soloista com orquestras sinfónicas Sul Africanas em Johannesburg, Cape Town e Durban são equiparáveis às suas concepções de papeis principais como a Carmen e a Amneris nas peças Aida e Azucena no Il Trovatore do Artscape Opera Stage e no State Theatre Opera House em Pretoria respectivamente, e a Bruxa do Hansel und Gretel no Roodepoort Opera. A artista também cantou o papel de Azucena no Den Norske Opera em Oslo in 2004.
A artista já tivera sido ouvida no Royal Albert Hall, no Royal Festival Hall e no Barbican Centre, como segmentos das séries African Odyssey no Kennedy Centre, Washington DC; também actuou no Ronnie Scott's em Londres. Adicionalmente cantou o papel da princesa Magogo ka Dinuzulu, que deu o título à peça Mzilikazi Khumalo, apresentado pela Ópera África, assim como teve participações no HetMuzik Theater, Amsterdam e no Ravinia Festival em Chicago. O repertório de oratórias de Khumalo incluí, entre outras, Messiah de Handel, Elijah de Mendelssohn, ambos Requiem de Verdi e Mozart, e o épico Zulu uShaka ka Senzangakhona do Mzilikazi Khumalo.
No meio de um turbilhão de actuações em tabela, Sibongile decidiu por fim em focar-se na gravação de um álbum, o que aconteceu em 1996. O seu primeiro CD, com o título de Ancient Evenings, explorou a música indígena africana que ouviu ao longo de sua infância, e também garantiu-a dois South African Music Awards (SAMA) - Melhor Performance Vocal Feminina e Melhor Performance Adult Contemporary; assim como Música do Ano para o tema do compositor Motsumi Makhene entitulado "Untold Story". Em 1998, Sibongile lançou o seu segundo álbum, uma gravação ao vivo de uma actuação que decorreu no Johannesburg's Market Theatre. Adequadamente entitulado Live at the Market Theatre, o álbum foi virado à paixão da cantora pelo Jazz. Mais uma vez, o álbum foi aclamado por críticos e pelo público em geral, e mais uma vez a artista levou um SAMA (South African Music Awards) para casa, desta para a Melhor Actuação Adult Contemporary. Immortal Secrets é o título do terceiro álbum de Sibongile Khumalo, um CD que continuou com o trabalho iniciado em Ancient Evenings. Um CD profundo, introspectivo e nostálgico, Immortal Secrets articulou os sentimentos e reflexões de um ser contemporâneo, por vezes urbano, procurando manter o âmago da sua identidade como uma pessoa mergulhada na cultura e herança Africana.
De seguinda veio Quest, um álbum que verdadeiramente demonstra o quanto Sibongile é a epítome do novo Sul Africano, um indivíduo com um forte sentido de personalidade e cultura, que é igualmente aberto e receptivo à diferença, ignorando barreiras artificiais criadas pela cultura, língua e história. E mais recentemente, Sibongile Khumalo, um álbum inspirado e inspirador que se desloca do repertório substancialmente composto por temas da música clássica ocidental do século 19, partindo para as relíquias, igualmente clássicas, da música coral africana, incluindo as canções da Princesa Magogo, que a artista tomo-as como suas.
Em Agosto de 2006 Sibongile foi a directora musical do concerto “African Soul Sisters”, parte do “Joy for Jazz” em Johannesburg. Em Outubro do mesmo ano, a artista também foi a directora artística do "Soul on Turf" em Sun City, e em Novembro ela concebeu e dirigiu as celebrações do 30º aniversário da Khongisa Academy for the Performing Arts, Kwa-Dlangezwa, KwaZulu Natal.
Foi apontada à presidência do Comité de Festivais do Festival Nacional de Artes, em Grahamstown, um posto que ocupa actualmente. Sibongile continua envolvida com a Khongisa Academy Para Artes Cênicas, concebida pelo seu falecido pai, Khabi Mngoma. Em Março de 2007, formou a fundação Khabi Mngoma, cujo propósito é o angariamento de fundos para a fundação supra-citada.
Em 2007, a artista passou períodos no estrangeiro, tendo efectuado uma digressão europeia com Jack DeJohnette e outros, numa colaboração entitulada “Intercontinental”. A digressão terminou no Cape Town International Jazz Festival. Em Julho do mesmo ano a artista participou do Phillip Miller's Rewind Cantata, no Festival "Celebrate Brooklyn" em Brooklyn, EUA. Em Agosto, Sibongile actuou na ópera Africa's Princess Magogo ka Dinuzulu, antecedendo a sua digressão para Oslo, na Noroega, apresentada pela Den Norske Opera. No regresso, Sibongile co-produziu e dirigiu uma colaboração musical com outras artistas africanas estimadas, incluíndo Abigail Kubheka and Gloria Bosman, chamada “Sistas Healing our Souls”, no Cape Town City Hall.
Nos últimos anos, Sibongile Khumalo passou grande parte do seu calendário, extremamente ocupado, aperfeiçoando as suas aptidões como produtora, e assegurando um legado para os futuros jovens artistas. Adicionalmente, lançou um DVD em 2007 no intuito de promover a sua editora independente, a Magnolia Vision Records.
SIMMONS MASSINI visit artist website
Simmons Massini nasceu em Luanda, onde aprendeu a tocar saxofone tenor com o seu tio nos blocos em Luanda, mas teve que interromper por causa de problemas nos brônquios.
Com apenas 10 anos de idade dava concertos nos bairros e nas escolas para os amigos e colegas, imitando os Kassav, Pablo Minales , Sílvio Rodrigues, Sambas e as suas referencia nacionais da época tais como: Os Jovens do Prenda, Kiezos, Instrumental primeiro de Maio, António Paulino, Calabeto, Filipe Mukenga e Rui Mingas.
Simmons entra para o Clube Piô da Rádio Nacional com Eduardo Paim, servindo de suporte de todos os cantores piôs na época. Simmons recebe logo a seguir o convite para fazer parte do Grupo S.O.S com Eduardo Paim como Líder da Banda.
Massini começa a ser muito solicitado no mercado gravando com: Jacinto Tchipa, Diabick, 1º top do Mais Queridos a Nível Nacional, Mito e Joca Gaspar, Zeca Torres e Tina Bastos, Irmãos Kafala, e Moniz de Almeida.
A seguir Simmons é convidado com o Grupo S.O.S a participar no Festival da Juventude em Pyong Yangue – Corea do Norte, 1988, em 1989 parte para o Front Line Festival de Glasgow na Escócia e Londres onde é apelidado pela imprensa local de Jimmy Hendrix.
Emigra para Portugal onde se instala por alguns anos fazendo parte da banda principal de Eduardo Paím como guitarrista, e dando inicio oficialmente a sua carreira como productor e multi-instrumentista paulatinamente.
Ainda em Portugal trabalha, interage com: Paulo Flores, Tito Paris, Lionel, Maria Alice, Mizé, Lura, Marisa ( fadista), Sara Tavares num concerto live para BBC de Londres, Paulo Gonzo (jam), Nuno da Alas dos Namorados (jam), Jorge Neto dos Livity ( Portugal e Espanha), André Cabasso, Victorino, Estevão Djipson, Manecas Costa ( produção), Ruca Van-Duném, DJ Madabaia, etc.
Em 1995 Simmons grava o seu Primeiro e único álbum intitulado 50%50 com as participações de: Fernando Girão, Jorge Neto, Lura, Laurent Filipe ( trompete), Nanuto, Nayma e Carlos Mingas pelaEditora RMS.
De volta a Luanda, Simmons trabalhou com muitos artitas de angolanos e um deles foi na produção do album dos N’Sex Love, tocando guitarras, teclados e programando.
Actualmente, Massini é Produtor Musical, Director Musical, Arranjador, Programador, Compositor, Autor, Sound Designer, Productor de Sound Track, Publicidade, Guitarrista e Multi-Instrumenstista. Também é Productor do Festival da Canção da Lac e Membro da Organização do Festival.
Um dos momentos marcantes da carreira de Simmon Massini foi a interação com o grupo Kassav em studio em Paris; com Wiclef na TPA 2, Richard Bona na rádio LAC, com George Benson, Chucho Valdéz e Joe Sample in a jam session in Luanda, com Lokua Kanza no show em Luanda no Restaurante Miami e com Carlos do Carmo.
Um dos seus trabalhos recentes inclui a direção musical do show do Carlos do Carmo and Friends, onde foi igualmente Baixista e Violista com as participações de Yola Semedo, Paulo Flores, Matias Damásio e Afrikkanitha.
ISMAEL LO visit artist website
O cantor Senegales Ismael Lo é um guitarrista e também é conhecido por tocar gaita e uma estrela em ascensão da world music. Com sua voz suave multitexturizada e discreto estilo folk, ele e os 12 membros da sua banda tocam uma forte e complexa percussão de canções “mbalax” que discutem temas importantes no Senegal, que vão do racismo e do respeito à imigração.
Ele amava a música desde tenra idade e começou sua carreira tocando uma guitarra de uma corda artesanal. As suas primeiras influências americanas incluíram Otis Redding, Wilson Pickett e Etta James, e ele aprendeu suas canções, ouvindo o rádio.
Ismael Lo foi um grande sucesso quando tocou em um show de televisão local "Tele Variety", e isso o inspirou a fazer actuações em tempo inteiro. Uma semana depois, Lo apareceu novamente no show e foi pago 300 dólares por seu trabalho. Em 1979, o cantor e compositor Omar Pene convidou Lo para tocar na sua famosa banda Super Diamono de Dakar, uma banda que tocava mbalax-blues, uma mistura de ritmos Cubanos e Senegaleses. Lo, com seu talento para tocar guitarra e composições, rapidamente se estabeleceu como uma figura-chave na banda e logo se tornou o segundo vocalista, o cantor e guitarrista de backup.
Até o início dos anos 80 ele pensou em lançar uma carreira a solo, mas sentiu que a sua saída da banda fosse destruir a mesma. Em 1984, a pressão aumentou e ele partiu para a Espanha para fazer pintura. Ismael Lo começou a gravar como artista solo após seu retorno. Seus primeiros álbuns incluí Xalat, XIFF, Natt, e Gor Sayina. Os primeiros álbuns de Ismael são difíceis de encontrar nas Américas, mas uma versão atualizada de uma canção de Gor Sayina, "Ale Lo," pode ser ouvida no seu auto-intitulado album de 1992 mais facilmente.
BLACK COFFEE visit artist website
TBA